Cinematoutfest

Por Robert Nesti – (AfterElton)

“¡Eso es muy gay!”, exclamó mi compañero mientras veíamos “Beowulf”, en la escena en la que un escultural Ray Winstone pelea desnudo contra el dragón Grendel. No recordábamos haber leído esa parte cuando el libro nos fue dado en nuestra clase de inglés del secundario, pero tampoco nos importó demasiado. Lo que nos divirtió mucho de esta película fue que nos pareció muy gay. Pero esto es algo que pudimos observar en muchos films que hemos visto recientemente, escenas en las cuales nuestro gaydar se enciende. Puede ser algo implícito o subtextual, pero definitivamente está presente.
 
Jugar este juego con las películas de Hollywood ha formado parte de la cultura gay desde el nacimiento del cine. Recordemos a Cary Grant diciendo que era “gay” en “La Adorable Revoltosa” o una Marlene Dietrich vestida de hombre y besando a una mujer en los labios en “Morocco”. Hitchcock muchas veces insinuaba que sus personajes (generalmente villanos) eran gays: Robert Walker en “Extraños en un Tren”, Michael Landau en “Intriga Internacional”, y finalmente John Dall y Farley Granger en “La Soga”. También hay una famosa historia (según se puede ver en el film “El Celuloide Oculto”) que cuenta como el guionista Gore Vidal le sugirió al actor Stephen Boyd que insinuara en una escena con Charleston Heston que los dos habían sido amantes en la adolescencia. A Heston nunca se le mencionó nada al respecto, pero el subtexto gay es totalmente perceptible en esa escena.
 
Y esos no son todos los filmes de Hollywood con referencias gays: “Top Gun”, “Entrevista con el Vampiro”, “El Talentoso Sr. Ripley”, “Que No Se Entere Mamá”, “Lawrence de Arabia” son algunas de ellos. Pero en esta era donde la consciencia gay está más presente que nunca, ¿estas referencias están siendo más explícitas? Aquí hay algunas de las películas de este año que incluyen subtextos gays:
  
Beowulf
Una de las escenas más excitantes y graciosas sin quererlo de cualquier film reciente es la del Beowulf desnudo (personificado por Ray Winstone) luchando a muerte contra el ogro Grendel. La secuencia, que dura casi 10 minutos, utiliza la técnica de “esconder el salamín” usada humorísticamente en “Austin Powers”, pero sin ironía. Los objetos colocados cuidadosamente (cabezas, niebla, velas, incluso la cabeza del Grendel muerto) para ocultar las impresionantes partes privadas del Beowulf son puestos ahí para que la película pudiese ser calificada para mayores de 13 años. Parece ser que para ver exactamente lo que tendríamos que haber visto, tendremos que esperar a que “Beowulf” salga en DVD, el cual podrá ser apreciado cuadro por cuadro.

300
¿Hay alguna película más “abdominaliciosa” que se haya estrenado este año? Esta imaginativa recreación de la Batalla de Thermopylae, que mostró la lucha entre un ejército de guerreros espartanos contra las abrumadoras fuerzas invasoras de Persia, incluyó al elenco masculino más caliente después de los Dioses del Estadio. Los espartanos cuidan sus cuerpos con la misma obsesión de los adictos al gimnasio de hoy en día; y parecen haberse olvidado de las mujeres espartanas (excepto para la procreación). Tenemos a Xerxes, el rey persa con todos sus piercings, maquillaje en los ojos y ropa interior dorada que no hubiese estado fuera de lugar en la feria Folsom de San Francisco. A pesar de que la ideología de la película parece ser un tanto retrógrada (algunos la calificaron como una defensa a las políticas de Bush respecto al Medio Oriente), sus imágenes resuenan con un subtexto diferente (léase: gay). La primera vez que vi esta película fue con una audiencia de 600 estudiantes de sexo masculino de la Universidad de Boston y nivel de testosterona era altísimo. Gritaron y silbaron durante las violentas batallas, pero no estoy seguro si lograron captar los significados ocultos del film. Es por esto que el DVD seguramente estará bajo muchos de los arbolitos de navidad de los fans gays de “300” en estas navidades.
 
 
Duro de Matar 4.0
En esta demorada secuela (la cuarta), Bruce Willis regresa a su rol de John McClane, un tipo común con un país para salvar. Ahora, en su quinta década de vida, calvo pero en buen estado físico, Willis perfectamente podría ser el modelo de tapa de la revista “Daddy”. Por eso tiene sentido que los guionistas le hayan colocado a una especie de “loquita” como compañero de aventuras. Se trata del joven hacker interpretado por Justin Long (el de “Jeepers Creepers”), quien lucha junto a Willis contra el maníaco villano de esta saga (Timothy Oliphant). El rudo comportamiento de Willis y sus modismos cool generan un muy buen complemento con la personalidad nerviosa de Long. En otro contexto, ellos podrían ser algo más que dos insólitos compatriotas intentando salvar al país de otro villano “amariconado”. Respecto a Oliphant, podrá acostarse con la peligrosa Maggie Q, pero pareciera que su corazón en realidad le pertenece a Willis.
 
 
Happy Feet: El Pingüino
Esto no lo digo yo. En realidad, apareció en un artículo publicado en una página web en donde un miembro de una asociación religiosa acusó a esta película de “sugerir que la homosexualidad es genética”. Por otro lado, un crítico de cine conservador aseguró que el film contiene un “un subtexto bastante obvio respecto a la homosexualidad”. En una entrevista televisiva, este mismo crítico dijo lo siguiente: “No es que los pingüinos sean gays, en realidad no son gays, pero el pingüino de la película no encaja en la sociedad y las autoridades religiosas lo rechazan. Le dicen: “Tú no eres un pingüino. No eres un pingüino de verdad”. Y luego, el protagonista hace una sentida súplica cuando dice: “Papá, tienes que aceptarme tal cual soy. No puedo cambiar”. Estos ataques no llegaron a ningún lado: “Happy Feet” recaudó casi 200 millones de dólares sólo en los Estados Unidos y $400 millones a nivel mundial. Quizás el público no sea tan fácilmente manipulable como algunos piensan.
 
 
Stardust: El Misterio de la Estrella
Perdido en la gran cantidad de estrenos del verano boreal estuvo “Stardust”, probablemente la película más gay de la temporada después de “Hairspray”. Esta fantasía acerca de una estrella que cae en la tierra y toma la forma de una damisela (Claire Danes) contaba con Robert DeNiro en su elenco caracterizando a un pirata muy particular, al cual le gustaba vestirse con ropa de mujer. Es un secreto que él esconde a su tripulación, pero cuando sale a la luz, recibe el apoyo de su tropa. La pregunta es si esta película perpetúa el prejuicio de que a todos los gays les gusta travestirse. La escena de la confesión de DeNiro es uno de los puntos más altos de una película despareja ya que prueba que el actor se puede burlar de su imagen de súper macho. Agreguémosle a esto la subtrama en la que Michelle Pfieffer compone a una bruja que necesita sacrificar a una víctima para restaurar su juventud y tenemos la perfecta fantasía de todo niño gay en potencia.
  
 
Escándalo
Esta comedia negra tiene como protagonistas a Judi Dench como una venenosa y amargada maestra de escuela que se obsesiona con una de sus compañeras de trabajo, la hermosa pero algo distraída profesora de arte, interpretada por Cate Blanchett. En el centro del relato se encuentra la relación que Blanchett mantiene con uno de sus alumnos y el rol de Dench de hacerlo público. Pero bajo la superficie está el deseo irresuelto que Dench tiene por Blanchett; un amor que ella no puede reconocer a causa de su psique reprimido. A pesar de que el film se termina convirtiendo en un exagerado melodrama, lo salvan las magníficas actuaciones de estas dos actrices. Por supuesto, este film también perpetúa la imagen de la lesbiana depredadora: un cliché que Hollywood ha mantenido durante décadas.

N.D R: Además están las ya reseñadas anteriormente “Hairspray” , “Besando a Charly” y “Yo los declaro marido y Larry”

© Traducción de Esteban Rico para SentidoG.com

La extraña pareja que no convence
 

Yo los declaro marido y… Larry ( I Now Pronounce You Chuck and Larry , Estados Unidos/2007). Dirección: Dennis Dugan. Con Adam Sandler, Kevin James, Jessica Biel, Dan Aykroyd, Ving Rhames y Steve Buscemi. Guión: Alexander Payne, Jim Taylor y Barry Fanaro. Fotografía: Dean Semler. Música: Rupert Gregson-Williams. Edición: Jeff Gourson. Diseño de producción: Perry Andelin Blake. Producción hablada en inglés con subtítulos en castellano y presentada por UIP. Duración: 110 minutos. Apta para mayores de 13 años.
Nuestra opinión: regular

Adam Sandler, uno de los principales exponentes de la nueva comedia estadounidense de las últimas dos décadas desde su irrupción en el show televisivo Saturday Night Live, a principios de los años 90, es garantía de éxito comercial en su país con (casi) cualquier producto que lo tenga como figura principal. Sin embargo, esa fidelidad automática por parte del público le ha jugado en contra a la hora de la elección de los últimos proyectos que ha decidido encabezar y también coproducir a través de su compañía, Happy Madison.

A los 41 años, el actor de Como si fuera la primera vez y El cantante de bodas parece apelar por momentos al piloto automático, ya que se repite una y otra vez en el papel del adolescente tardío, del soltero inmaduro y machista que no se atreve a asumir sus responsabilidades.

En Yo los declaro marido y… Larry , Sandler interpreta a Chuck, un bombero de Brooklyn de enorme éxito con las mujeres a partir de su aparición semidesnudo en un calendario. Pero las cosas cambiarán abruptamente para este sex-symbol: Larry (Kevin James, de la serie The King of Queens ), su colega y mejor amigo, viudo y a cargo de dos hijos, tiene serios inconvenientes con la burocracia estatal para lograr la ayuda social y la cobertura de salud que tanto necesita. ¿La solución? Le propone a Chuck que se haga pasar por su pareja gay. Pero lo que en principio aparecía como un simple engaño al gobierno, se complicará con la aparición de un implacable investigador (Steve Buscemi) y de una bella y seductora abogada (Jessica Biel).

A partir de ese planteo inicial, comienza la típica historia de enredos cómicos y románticos, con mucha broma de doble sentido y dudoso gusto (no se evita ni siquiera la remanida escena en las duchas de un vestuario de hombres, donde nadie se atreve a recoger un jabón ante la presencia de los dos protagonistas) que, en la comparación, elevan a Una Eva y dos Adanes , La jaula de las locas y Víctor Victoria a la categoría de tratados académicos. Pero, sin entrar a analizar los estereotipos del film en términos más intelectuales e ideológicos (ha generado bastantes enojos por sus chistes sexistas y racistas), Yo los declaro marido y… Larry sólo resulta moderada e intermitentemente eficaz. En su guión -coescrito por Alexander Payne y Jim Taylor, la dupla creativa detrás de las notables Entre copas , La elección y Las confesiones del Sr. Schmidt -, hay pocos atisbos de creatividad y audacia y, en cambio, demasiado apego a fórmulas ya probadas hasta el desgaste. El director Dennis Dugan (que ya había trabajado con Sandler en Happy Gilmore y Un papá genial ) filma las escenas sin demasiado esmero y, aunque el resultado final es bastante superior al de mediocres trabajos recientes del actor, como Click, perdiendo el control o Espanglish , no alcanza para redondear una comedia medianamente rendidora. Por lo tanto, sólo recomendada para seguidores (incondicionales) de Sandler.

Diego Batlle

TITULO ORIGINAL I Now Pronounce You Chuck and Larry
AÑO 2007 
 
DURACIÓN 110 min.    
PAÍS 
DIRECTOR Dennis Dugan
GUIÓN Alexander Payne, Jim Taylor, Barry Fanaro
MÚSICA Rupert Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA Dean Semler
REPARTO Adam Sandler, Kevin James, Jessica Biel, Steve Buscemi, Dan Aykroyd, Ving Rhames, Richard Chamberlain, Nicholas Turturro, Gary Valentine
PRODUCTORA Universal Pictures
WEB OFICIAL http://www.maridoymarido.es/
GÉNERO Y CRÍTICA Más información  Comedia / SINOPSIS: Huck Levine (Adam Sandler) y Larry Valentine (Kevin James) son el orgullo del parque de bomberos: son inseparables y siempre están dispuestos a hacerlo todo el uno por el otro. Larry es viudo y, ante todo, quiere proteger a su familia. Su gran amigo quiere, ante todo, disfrutar de la vida de soltero. Larry le salvó la vida a Chuck en un incendio, y ahora le toca a él pedirle un gran favor. Un rollo burocrático impide a Larry que sus dos hijos sean los beneficiarios de su seguro de vida. Para solucionarlo, basta con que Chuck firme unos formularios como pareja de Larry. Total, nadie se va a enterar. Pero un funcionario tiene sospechas… y la vida de la pareja deja de ser un secreto para convertirse en noticia. Obligados a hacerse pasar por dos enamorados recién casados, deben fingir ser la típica pareja feliz… (FILMAFFINITY)
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“Esporádicamente divertida, informalmente sexista, alegremente racista y visualmente tan sofisticada como una cámara de vigilancia de un garaje.” (Manohla Dargis: The New York Times)
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“Un matrimonio de mal gusto y malos gags. (…) Una película que deja en mal lugar al matrimonio, la homosexualidad, la amistad, los bomberos, los niños y prácticamente todo lo demás.” (Claudia Puig: USA Today)
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“Tremendamente juvenil e inundada de estereotipos, es el tipo de comedia ‘de colegas’ que Jack Lemmon y Walter Matthau hubieran protagonizado hace 40 años, cuando el material se habría sentido menos anticuado, y menos estúpido.” (Brian Lowry: Variety)
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“Jessica y poca cosa más. (…) raudal de chistes, la mayoría burdos y algunos groseros (…) Puntuación: ** (sobre 5).” (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)
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Besando a Charlie

Para apreciar al cine de fórmula bien hecho no hay nada como revisar lo que pasa cuando la fórmula se aplica mal. El gancho que la directora debutante Sue Kramer usa para darle vida a un guión que no tiene ni una pizca de originalidad es el lesbianismo. Pero no el tipo de lesbianismo que figura en Cinemax después de la medianoche, trágico error para todos los que esperaban ver a Heather Graham y Bridget Moynahan haciendo tortillas. El problema es que Kramer nunca entra de lleno en el tema gay, es sólo una treta para provocar revuelo.

Kramer le contagia su falta de imaginación a todo el equipo de Besando a Charlie. El cinefotógrafo John Bartley, por ejemplo, se conforma con iluminar correctamente el escenario, apuntar la cámara hacia los actores y echarse una siesta mientras las situaciones creadas por Kramer fracasan en su intento por ser graciosas, inesperadas o atrevidas. El letargo de la cámara se adapta a la perfección a la rutinaria puesta en escena de la directora, donde un perpetuo medium shot basta y sobra para registrar los movimientos del elenco. Además Kramer resiste a pie firme la tentación de agregar protecciones, cada vez que puede resuelve la escena en una sola toma, y si los cortes son inevitables éstos sólo obedecen al más primitivo campo/contracampo.

Para emplear un lenguaje cinematográfico tan plano uno debe tener mucha confianza en la fuerza de su libreto, que a su vez le permitirá a los actores desplegar todo su talento para que el espectador olvide el estatismo de la cámara. De otra forma se corre el riesgo de filmar un sitcom de hora y media. Y eso es justamente Besando a Charlie: un episodio extra largo de Will & Grace, con locaciones más variadas y sin risas grabadas. Pensándolo bien, es injusto comparar a Besando a Charlie con los programas de comedia de la tele. Injusto para los programas, claro, porque éstos son muy superiores al bodrio de Sue Kramer.

En cuanto a diálogos y diseño de personajes Kramer demuestra en Besando a Charlie que no tiene idea de lo que está haciendo. La protagonista, Gray (Heather Graham), es una publicista bobalicona con problemas para encontrar pareja, una patológica incapacidad para tomar decisiones (en los bares siempre trata de pedir todo a la vez), una relación codependiente con su psiquiatra y una inseguridad rampante que se traduce en un incesante parloteo. Es como Woody Allen con chichis y un trasero más firme. Los diálogos son peores. Inverosímiles, forzados, sin rastros de ingenio. Hay una escena terrorífica donde Molly Shannon menciona a Oprah, Weight Watchers y sus clases de spinning en apenas dos minutos. Aquello es como oír un destilado de todas las conversaciones que Sue Kramer ha tenido con sus amiguis en los últimos cinco años.

Un ingrediente esencial de toda comedias romántica que se respete es la presencia de personajes secundarios que sean un contrapeso para los protagónicos, por lo general demasiado involucrados en sus crisis emocionales para ser realmente divertidos. A veces los secundarios le comen el mandado a los principales, como sucedió en Soltero en Casa, donde Zooey Deschanel le robó cámara a Sarah Jessica Parker a pesar de estar envuelta en una subtrama realmente idiota. En Besando a Charlie los actores de reparto son Molly Shannon, odiosa en su papel de compañera de trabajo de Gray, Alan Cumming, tratando de darle sustancia a su personaje con un almibarado acento escocés, y Sissy Spacek, desperdiciada como una “locochona” psiquiatra cuya única gracia consiste en citar a sus pacientes en lugares públicos (un boliche, un muro de escalada).

Igual que Nancy Meyers en El Descanso, Sue Kramer no oculta su admiración por los grandes clásicos de Hollywood. Esto la lleva a saturar los diálogos con referencias a otras películas con el pretexto de que sus tres personajes principales son aficionados al cine norteamericano de los 40, a imitar los diálogos de la comedia screwball con los resultados que ya señalé e incluso a recrear una de las escenas de Till the Clouds Roll By, producción MGM de 1946. Es un error porque lo único que consigue es llamar la atención sobre la distancia que hay entre ella y los guionistas y directores que idolatra. Dudo mucho que dentro de cincuenta años los libros de historia de cine pongan a Sue Kramer en el mismo párrafo que Billy Wilder y Vincente Minnelli.

Probablemente para alguna chica que esté meditando la posibilidad de salir del closet Besando a Charlie tendrá algún interés. Para el resto de la humanidad sólo queda maravillarse ante una directora que toma una receta que parecería infalible (Heather Graham + lesbianismo = $$$) y elabora un churro tan desabrido.

Por: Marco González Ambriz
(marco@profilmico.com)
(agosto 2, 2007)

Sitio Oficial:
www.graymattersmovie.com

BESANDO A CHARLIE (GRAY MATTERS )

Género: Comedia
Duración: 96 minutos
Director: Sue Kramer
Reparto: Heather Graham, Thomas Cavanagh, Bridget Moynahan

Historia: Como una pareja perfecta, Sam y Gray finalizan las frases del otro, son perfectos bailando y comparten los mismos gustos. El único detalle es que no son pareja, son hermanos. Cuando Sam encuentra a Charlie una mujer exitosa, guapa e inteligente, Gray se siente incómoda con la situación ya empieza a sentir atracción hacia la novia de su hermano. Todo se complica cuando Sam y Charlie anuncian que se van a casar.

ÉXITO DE UN FILME QUE LLEVA A LA PANTALLA POR SEGUNDA VEZ LA DISPARATADA HISTORIA DE EDNA TURNBLAD. “Hairspray” se encuentra ahora en cartelera

• El actor canta y baila para recrear el personaje que consagró en Broadway a Harvey Fierstein

Quién le iba a decir a John Waters cuando empezó a filmar cortos en el Baltimore de los años 60 que su primera película para el gran público acabaría en Broadway? ¿Quién habría dicho que la superestrella John Travolta se vestiría de mujer para interpretar el papel de Divine en “Hairspray”? Los dos apuntaban maneras, eso sí. Waters con su etiqueta de cineasta controvertido, irreverente, kitsch; director de culto rodeado del séquito Dreamland (el nombre de su productora), que le ayudó a mostrar aquellos personajes marginales viviendo fuera del American way of life. Y la excesiva Divine (nacida Harris Glen Milstead), drag entre las drags, con su peluca rubia, sus carnes flácidas y sus ojos pintados, musa de Waters desde “Roman Candles” (1966) y “Eat Your Make-Up” (1967), donde hacía de Jackie Kennedy en la recreación del asesinato de JFK. Divine participó desde entonces en todas las cintas de Waters, incluyendo los éxitos “Pink Flamingos”, “Polyester” y “Hairspray”, estrenado el año que Divine murió mientras dormía. Aquel 1988 “Hairspray” aterrizó en la pantalla con la intención de llegar a una audiencia mucho mayor que la que acostumbraba a ver las películas del cineasta de Baltimore (muy celebrado en su ciudad, por cierto, que en 1985 declaró el 7 de febrero como el Día de John Waters). “Hairspray” marcó su entrada al cine popular que continuaría con “Los asesinatos de mamá”, pasando con naturalidad de lo marginal a lo mainstream para presentar sus obsesiones a un abanico más amplio y diverso de fans que todavía lo adoran.

• La superproducción adapta el musical que surgió de la película del ‘underground’ John Waters

Como su director y guionista, “Hairspray” es un filme de culto conocido por su inusual retrato de los conflictos raciales a través de la estética y el humor característicos de Waters. Cuando se estrenó, la Motion Picture Association of America la clasificó como PG (sugiere que los padres vean la película antes de dejar que sus hijos vayan al cine), frente a todas las cintas anteriores, siempre clasificadas como X excepto “Polyester”, con una R (menores de 17 años deben ir acompañados de un adulto). “Hairspray” cuenta la historia de la gordita Tracy Turnblad (interpretada por Ricki Lake) que quiere bailar en el programa de televisión “The Corny Collins Dance Show” y lucha contra los prejuicios de Amber von Tussle y su madre Velma (Debbie Harry). Tracy se hace tan popular que aboga por la integración racial y gana el título Miss Auto Show 1963 con la ayuda de su padre (Jerry Stiller, padre de Ben Stiller) y su madre Edna (Divine y sus memorables escenas de plancha).

Pasaron los años y el filme de culto se convirtió en musical de Broadway en el 2002, ganador de ocho premios Tony, con excelentes críticas que consagraron a Harvey Fierstein (la Edna de Broadway). Ahora el musical se ha vuelto película con estrellas: John Travolta vuelve a bailar, a cantar y a planchar como la madre protagonista. Michelle Pfeiffer regresa al cine tras cinco años apartada de las cámaras como la malvada Velma, Christopher Walken muestra su lado cómico, Queen Latifah es la reina del negro day y Nikki Blonsky es la heroína Tracy.

La nueva versión está siendo todo un éxito. El fin de semana de su estreno (20 de julio) recaudó 20 millones de euros. La película llegó a las pantallas españolas el 14 de septiembre. Gracias a la agresiva campaña de márketing de la película, el musical (de capa caída en los últimos tiempos) ha resucitado con llenos diarios. Tampoco se pueden quejar de las críticas. “La sorpresa es que este “Hairspray” es realmente bueno. Una historia sobre el triunfo de la cultura juvenil y el optimismo. Su acierto está en los héroes adolescentes y la frescura de los actores que los interpretan”, escribe The New York Times. “Aunque ha perdido una buena porción del toque subversivo de Waters y cuesta un poco encontrar su huella, el placer de volver a ver a Travolta bailando –con 15 kilos de más– le asegura una buena taquilla”, apunta The Hollywood Reporter.
El nuevo “Hairspray” es más descafeinado, sí, pero sigue mereciendo la pena.

NOELIA SASTRE
NUEVA YORK

John Travolta se suelta el moño y regresa a un musical con “Hairspray”

Tras 24 años apartado del género musical que lo llevó a la fama en los ‘70, John Travolta regresa a las coreografías para cine como la inmensa y sobreprotectora señora “Edna”, en la nueva versión de “Hairspray” que se estrena el viernes en Norteamérica.

“He querido hacer un musical en estos 30 años. Pero los cuatro musicales que me ofrecieron en este tiempo no se hicieron (…) Yo fui parte del musical más grande en la historia del cine, que es ‘Grease’ (1978) ¿Por qué tendría que arruinar eso con algo que no estuviera al mismo nivel?”, dijo el actor de 53 años.

Travolta, convertido en una señora muy exhuberante, tiene un papel central en esta comedia que intenta enviar un mensaje antiracista, con una Michelle Pfeiffer que se mete en la piel de una directora teatral opuesta tajantamente a aceptar artistas negros. 

La cantante y actriz Queen Latifah, así como los actores Christopher Walken y Amanda Bynes, participan en esta obra que marca el debut cinematográfico de la joven Nikki Blonsky, una chica de 18 años y 1,43 de estatura que rompe todos los patrones de belleza impuestos por Hollywood, y que se ha ganado excelentes y unánimes elogios como actriz por parte de la crítica especializada.

El hombre de traje blanco que en 1977 sacudió las caderas en “Fiebre de sábado por la noche”, llegará a los cines de 2007 como una gran “doña”.

“Fue muy agotador porque tuve que usar un traje de gorda, pero muy bueno porque me puse en forma. Perdí algo de peso” incluso, confesó Travolta al hablar con la prensa sobre este trabajo que en las proyecciones especiales antes de su estreno ha desatado aplausos después de algunos números musicales.

La película está ambientada en 1962 y Travolta fue consciente al momento de construir su personaje femenino de los cambios de la percepción de la belleza que se han vivido en estas más de cuatro décadas.

“La verdad es que recordé a mi madre que llevaba medias, faja, sostén y tacones altos y era bastante agotador para ella estar lista”, contó el actor de Pulp Fiction, admitiendo que cumplir con todos esos pasos le cortó el aliento.

Pero más allá que en su madre, Travolta cree que más bien se inspiró en el recuerdo de muchas “grandes mujeres” con las que creció, además de su madre, ex actriz de teatro.

“Me gusta ver a las mujeres. Como actor observo lo que más pueda (…) Uno ve a las madres de sus amigos, mujeres en el cine, uno al final acumula un conocimiento sobre los comportamientos”, explicó el actor.

John Travolta también aclaró que en “Hairspray” desempeña el papel de una mujer y no el de un homosexual, ajustándose al nuevo guión de Leslie Dixon sobre esta historia que era considerada una obra gay porque en sus versiones teatrales fue interpretada por hombres vestidos de mujer, con una estética travesti.

Algunos grupos defensores de los derechos de homosexuales han dicho que el protagonista de “Grease” evitó que su personaje fuera como el de un travesti debido a la oposición de su secta religiosa de la Cienciología hacia la homosexualidad.

Desestimando que su interpretación haya sufrido algún cambio por sus creencias, recalcó: en “Hairspray no estoy haciendo el papel de gay, estoy haciendo el papel de una mujer (…) Quizás están utilizando una excusa para decir algo más”, dudó Travolta.

HDA
Globovisión/ AFP  
 
John Travolta arremete contra la crítica
 
Por mucho tiempo, se ha rumorado sobre la homosexualidad del actor de ‘Fiebre en Sábado por la Noche’. Hace poco se publicaron unas fotografias en donde el actor besa en la boca a un conocido en las escaleras de un avión. El beso tipo ‘Casablanca’ le dio la vuelta al mundo, pero el actor negó cualquier vínculo a su sexualidad.

El actor esta siendo fuertemente criticado por el público gay y fans de la original ‘Hairspray’ y dicen que le harán boycot a su nueva película ya que este es homofóbico.

En la original ‘Hairspray’, la sensacional ‘Divine’, una mujer trans de proporciones enormes hacia el papel de la madre, pero ahora que Travolta ha tomado el papel, muchos lo llaman hipócrita, ya que su religion “Scientology’, esta en contra de la homosexualidad y la considera un transtorno que se puede curar.

Travolta insiste que el personaje no es gay, ya que el hace el papel de una mujer y continua diciendo que su religion no es homofóbica y que es una de las más tolerantes.

todogay.com

La foto de John Travolta plantándole un beso en toda la boca a un hombre ha dado ya la vuelta al mundo desatando un debate sobre la orientación sexual del actor.

La polémica foto de Travolta fue tomada en Canadá, cuando el actor amigo de Tom Cruise, y miembro igual que él de la iglesia de la Cienciología, iba a tomar un avión en Hamilton, Ontario.

El rumor sobre la sexualidad del actor de Pulp Fiction y Fiebre de sábado noche ya ha estado muchas veces sobre el tapete, a lo que Travolta como mucho ha sonreído o ha comentado que es un “hombre muy afectuoso e impulsivo”. El actor se casó hace 15 años con Kelly Preston, lo que para muchos no es más que una “tapadera”.

Leónidas y sus espartanos emergieron este fin de semana de unas Termópilas virtuales en la película ‘300′ y embolsaron a sus productores y distribuidores más de 70 millones de dólares, la taquilla más cuantiosa en lo que va del año y la tercera de mayor volumen de ingresos de un estreno en marzo en EEUU.

Agencias - Casi 2.500 años después de que aquellos tres centenares de aguerridos espartanos hicieran retroceder durante cinco días a un ejército persa de más de 100.000 soldados, la película que combina actores de carne y hueso con un abundante uso de gráficas de computadora se estrenó en 3.103 salas y recaudó unos 233.000 dólares por cada uno de los 300 espartanos que murieron en el desfiladero de las Termópilas.

La película, dirigida por Zack Snyder, se inspira en la novela creada por Frank Miller, y el empleo de imágenes digitales de paisajes, entornos y multitudes armadas, es similar al que se utilizó en la adaptación de ‘Sin City’, también basada en una novela de Miller.

El número de espectadores que acudieron durante el fin de semana a ver ‘300′ en EEUU superó al de las otras 10 películas más taquilleras.

Hasta ahora el récord de un estreno en fin de semana de marzo lo ostenta ‘Ice Age: the Meltdown’, que el año pasado recaudó 69 millones de dólares.

Preestreno europeo en Londres

Tras este éxito, el filme probará fortuna en el viejo continente con su estreno este viernes en Londrés y el próximo viernes (23 de marzo a las salas españolas).

Durante la presentación a la prensa europea, que tuvo lugar en un hotel londinense, los actores protagonistas enfatizaron las ocho semanas de dieta y entrenamiento ‘agotadores’ a las que tuvieron que someterse para desarrollar los pectorales que lucen en todas las imágenes de la película.

‘Dos horas de entrenamiento diario y nada de chocolate ni helados’, explicó el brasileño Rodrigo Santoro, quien da vida al rey de los persas, Jerjes, ‘uno de los retos más importantes’ de su carrera.

Santoro, que reconoció que la película ‘puede contener un mensaje muy político en función de cómo la mires’, añadió que lo importante para interpretar a su personaje -un gigante hermafrodita con la cabeza rasurada y cargado de cadenas de oro- fue ‘el lenguaje corporal, y no sólo los músculos’.

Rodada durante sesenta días en un estudio de Montreal (Canadá), esta superproducción estadounidense ensalza a aquellos heroicos espartanos y su lucha sacrificada por la libertad, con un mensaje de tributo a la guerra que la crítica ha recibido de forma muy polarizada a pesar de los intentos de Snyder por situar el film en el estricto campo de la fantasía.

Tomado de noticiasdot.com/cine

Sheba (Cate Blanchett ) enfrenta la perversa decepción de Barbara (Judi Dench) en Notes of a Scandal

Notes on a Scandal es probablemente la película más sórdida e impenitente de 2006, demostrando el lado corrosivo de la soledad y de los amores prohibidos. Fundamentalmente, es un tour de force de la actriz Judi Dench, que da rienda suelta a la acidez y manipulación en una interpretación casi épica. La peligrosa telaraña de Dench

Dench es Barbara Covett, una maestra solterona en una escuela secundaria del centro de Londres. Solitaria y áspera, observa con interés la llegada de una nueva compañera, Sheba Hart (Cate Blanchett), que con su joven y refrescante apariencia no tarda en despertar el interés de estudiantes tanto como profesorado. La anciana maestra no se libra de la atracción.

Sheba vive atosigada con una familia algo estrafalaria y no tarda en volcar su angustiada alma en Barbara. Ambas se hacen amigas en apariencia, aunque las intenciones de Barbara, según las destila en su diario, son bastante más siniestras.

Lo que cualquier guión hubiera tardado más de una hora en desarrollar, Notes on a Scandal lo cuenta todo en pocos minutos y bien.

Guiado por las sulfúricas confesiones de Barbara, el espectador se entera de la angustia y amargura de su vida, y la enorme capacidad de autoengaño que tiene la narradora. Rápidamente se enamora secretamente de Sheba y comienza a urdir planes para seducirla.

Su labor es facilitada cuando descubre un amor prohibido de Sheba con un estudiante. A partir de aquí, entre amenazas y comadreo, Barbara comienza a tejer una telaraña para capturar a Sheba. Cuando ésta logra eludirse, Barbara insiste y vuelve a cavilar con mayores hilos.

Tanto Blanchett como su cornudo esposo (Tom Georgeson) efectúan interpretaciones de altura, pero aquí el show es de Dench y defiende su espacio como perro hambriento con su hueso. En una interpretación meritoria de la nominación al Golden Globe (y quizá del Oscar), Dench no duda en mostrar sus arrugas, perversión y hasta temibles dientes cuando hace falta.

Está basada en la novela de Zoe Heller, en la cual el personaje de Barbara es sutil y nada directo.Aparte de la transformación, que no sentará a los lectores de la novela nada bien, huelga resaltar la banda sonora de Philip Glass, estridante y redundante como siempre.

Sin embargo, el guión de Patrick Marber (autor del también ácido Closer) sabe que lo que quiere contar es la lúgubre historia de Barbara y que el escándalo al cual el título alude es sencillamente un fondo para que la antagonista suelte las riendas de la manipulación y ponzoña.

Por Emilio Guerra, Univision Online

Visita la pagina de la pelicula: http://www.escandalo-lapelicula.com/

Este año se cumplen 5 desde los fatídicos sucesos del 11 de septiembre del 2001 que terminaron en la destrucción del World Trade Center y las Torres Gemelas. Y este año también se lanzan dos producciones cinemátográficas que cuentan las historias tras los hechos. La primera en llegar a nuestras salas de cine es “United 93″, que narra los sucesos en el vuelo 93 de United Airlines que se estrelló en Shanksville, Pennsylvania; luego de que los pasajeros se enfrentaran a los terroristas que los secuestraron.

Este film llega luego de haberse presentado anteriormente un documental para el Discovery Channel, “The Flight That Fought Back”, que narraba los hechos sucedidos en el Vuelo 93 de United Airlines ese fatídico 11 de septiembre del 2001; narrado por Kiefer Sutherland incorporaba grabaciones reales de voz, testimonios visuales, búsqueda e información del Reporte de la Comisión del 9/11 en un emocional recuento de la vida real.

Dirigido por Paul Greengrass, “United 93″ da tributo a los pasajeros del vuelo 93 y a las victimas del 9/11 como Mark Bingham quienes se convirtieron en héroes para su nación y en el caso de él, para la comunidad gay. Este film narra la conmovedora historia de los bravos pasajeros y la tripulación abordo del vuelo de United número 93, secuestrado en Septiembre 11, 2001. Después de enterarse de los atentados al World Trade Center y al Pentágono, estos civiles ordinarios eligieron pelear contra los terroristas. La valiente revuelta causó finalmente que el avión se estrellara mortalmente en un campo de Shanksville, Pennsylvania, sólo a 20 minutos de Washington. Las acciones de los pasajeros previnieron que el aeroplano fuese usado como un misil guiado para destruir el Capitolio o la Casa Blanca, que se supone eran los blancos finales.

Basada en hechos cuidadosamente comprobados y de dominio público, esta impactante historia incluye las extraordinarias comunicaciones que tomaron lugar entre los aterrorizados pasajeros y sus seres queridos en el trayecto. También cubre los horribles escenarios discutidos por los militares americanos y los oficiales del gobierno mientras se preparaban para derribar la nave si era necesario. Y revela también los infructuosos esfuerzos de otros pilotos en el aire y de controladores de vuelo mientras todos se esforzaban por entender el impacto de los eventos y la reacción que causarían. Ty Olsson estelariza cómo el héroe gay Mark Bingham, el jugador de rugby americano por quien se nombró el prestigioso campeonato de este deporte, quien fué el que inició la revuelta.

Lo que empieza cómo una narración tranquila de los eventos alrededor del vuelo 93 termina en una emocionante historia de heroismo. Quedó claro durante los chocantes extractos de las grabaciones de la lucha final de los pasajeros con sus secuestradores, que más allá de sus diferencias, backgrounds, orientación sexual o creencias, aquellos extraños se unieron por una causa común, la supervivencia. Y el resultado fué la protección de la capital de su nación y la salvación de incontables vidas más.
Mark Bingham, el héroe gay del vuelo 93
Sus amigos y familia aseguran que salvó vidas al tratar de desviar a los secuestradores de su blanco. Las evidencias sugieren que algunos pasajeros del vuelo 93 de United Airlines se enfrentaron a los secuestadores, evitando satisfactoriamente que el avión se estrellara contra un blanco importante como el Capitolio. Y los amigos y familia de Mark Bingham dicen que no fue coincidencia que el ejecutivo de relaciones publicas de 31 años estuviese a bordo del avion que se estrelló en las afueras de Pittsburgh. Antes de estrellarse, el pudo hacer una llamada de su celular a su madre diciendole que su avión habia sido secuestrado. Luego, por llamadas de otros pasajeros se supo que ellos habian ideado un plan para enfrentarlos.

“No hay duda en mi mente que Mark es un heroe, e hizo todo lo que estuvo en su poder para evitar que el avion dañe a inocentes”, dijo Paul Holm, residente de San Francisco y pareja de Bingham por 6 años. “El era una persona muy fuerte, jugaba rugby en un equipo de la liga gay, a quien no le gustaba perder, y era en extremo arriesgado”. “Mark salvo mi vida al menos una vez, probablemente dos en el pasado” dijo Holm” y sé que el salvó otras incontables”. Mark se convirtió en el primer héroe gay americano, y especialmente entre la comunidad Bear, de la que formaba parte.

En el memorial del 17 de septiembre del 2001 para las victimas de Bay Area, la Senadora californiana Barbara Boxtel lo recordó como un heroe americano y  entrego a Holm una bandera doblada, en honor de Bingham. Luego de esto, la prensa empezó a llamarlo “el heroe gay”. A un año de la tragedia se editó un libro: “Mark Bingham: the hero of flight 93″ escrito por Jon Barrett, en que se narran los ultimos momentos del vuelo que se estrelló en Pittsburgh, y de la lucha de sus pasajeros por recuperarlo.

Tres generaciones de mujeres sobreviven al viento solano, al fuego, a la locura, a la superstición e incluso a la muerte a base de bondad, mentiras y una vitalidad sin límites.
Ellas son Raimunda (Penélope Cruz) casada con un obrero en paro y una hija adolescente (Yohana Cobo). Sole (Lola Dueñas), su hermana, se gana la vida como peluquera. Y la madre de ambas, muerta en un incendio, junto a su marido (Carmen Maura). Este personaje se aparece primero a su hermana (Chus Lampreave) y después a Sole, aunque con quien dejó importantes asuntos pendientes fue con Raimunda y con su vecina del pueblo, Agustina (Blanca Portillo).

Almodóvar habla sobre su película

” Volver no es una comedia surrealista, aunque en ocasiones lo parezca. Vivos y muertos conviven sin estridencias, provocando situaciones hilarantes o de una emoción intensa y genuina. Es una película sobre la cultura de la muerte en mi Mancha natal. Mis paisanos la viven con una naturalidad admirable. El modo en que los muertos continúan presentes en sus vidas, la riqueza y humanidad de sus ritos hace que los muertos no mueran nunca.
“Volver” destruye los tópicos de la España negra y propone una España tan real como opuesta. Una España blanca, espontánea, divertida, intrépida, solidaria y
justa.”

RODAJE.

“Lo más difícil de “Volver” ha sido escribir su sinopsis.Mis películas cada vez son más difíciles de contar y de resumir en pocas líneas. Afortunadamente esta dificultad no se ha reflejado en el trabajo de los actores, ni del resto del equipo. El rodaje de Volver ha ido como la seda. Supongo que lo he disfrutado más porque el último (“La mala educación”) fue un absoluto infierno. Me había olvidado de que lo que era rodar sin tener la sensación de estar continuamente al borde del abismo. Esto no significa que “Volver” sea mejor que mi anterior película, (de hecho estoy muy orgulloso de haber rodado “La mala educación”) sólo que esta vez he sufrido menos. De hecho, no he sufrido nada.”

“De todos modos, “La mala educación” me confirmó algo esencial (que ya había descubierto antes, en Matador y Carne Trémula): que no hay que tirar nunca la toalla. Aunque estés convencido de que tu trabajo sea un desastre hay que seguir luchando por cada plano, cada repetición, cada mirada, casa silencio, cada lágrima. No hay que perder un ápice de entusiasmo aunque uno esté desesperado. El paso del tiempo te da otra perspectiva y a veces las cosas no eran tan malas como uno creía.”
GÉNERO Y TONO.

“Supongo que “Volver” es una comedia dramática. Tiene secuencias divertidas y secuencias dramáticas. Su tono imita a “la vida misma”, pero no es costumbrista. Más bien es de un naturalismo surreal, si eso fuera posible. Siempre he mezclado los géneros y sigo haciéndolo. Para mí es algo natural.

El hecho de incluir en el argumento un fantasma es un elemento básicamente cómico, en especial si lo tratas de un modo realista. Todos los intentos de Sole por ocultarlo a su hermana, o el modo de presentarlo a las clientas provoca escenas muy cómicas.
Aunque lo ocurrido en casa de Raimunda (la muerte del marido) es algo atroz, el modo en que ella lucha para que nadie se entere y la manera en que intenta desembarazarse de él también crea situaciones de comedia.

Aunque la mezcla de géneros sea natural en mí, eso no significa que no esté exento de riesgos (lo grotesco y el grand guiñol son siempre una amenaza). Cuando uno se mueve entre géneros, y atraviesa tonos opuestos en cuestión de segundos, lo mejor es adoptar una interpretación naturalista que consiga hacer verosímil la situación más disparatada. La única arma con la que cuentas, además de una puesta en escena realista, son los actores. Las actrices, en este caso. He tenido la suerte de que todas estén en continuo estado de gracia.
El gran espectáculo de “Volver” son ellas.”

Más sobre Pedro Almodóvar y su filmografía en su website oficial :

 http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/almodovar/esp/home.htm

Aproximación muy diferente a la de las biografías fílmicas tradicionales, Capote, cinta de estreno dirigida por Bennett Millar lleva a Philip Seymour Hoffman como protagonista y se concentra tan sólo en un corto período de su existencia, una que se movió en el tiempo entre los años 1924 y 1984. 

Ese período se corresponde con el final de la década de los años cincuenta del pasado siglo y los primeros años de los sesenta. Fue el momento en que Truman Capote, al conocer la noticia de que habían sido condenados a muerte en el estado de Kansas por asesinar “a sangre fría” a toda una familia buscando robarle, se decidió a viajar a dicho estado acompañado de la también novelista Harper Lee (autora de “To Kill A Mockingbird”) para investigar ese caso y entrevistarse con los condenados a muerte. Fueron precisamente esas entrevistas entre Capote y uno de los asesinos las que constituyen la parte medular de esta película.

Ponen en evidencia los poderes de seducción y de calculada manipulación utilizados por el novelista para lograr primero las entrevistas y, más tarde, ganar la confianza de uno de ellos, consiguiendo que se decidiese al fin a contarle en sus propias palabras como había tomado lugar el asesinato.

La película maneja fundamentalmente dos ambientes: el solitario y deprimente penal de Leavenworth y sus cercanías y el sofisticado de Nueva York, del que formaba parte habitual Truman Capote y del que era figura principalísima gracias a su causticidad e ingenio.

Gran acierto de la película es la reproducción de estos dos ambientes y el eficaz manejo de la acción, dotando a las escenas cruciales en que recuperamos a través del relato del condenado a muerte todos los pormenores del crimen, de una violencia que aunque breve es muy gráfica e intensa.

El mayor mérito del filme, sin embargo, no descansa ni en los aciertos de la producción ni en la eficacia del director sino – sobre todo – en la extraordinaria actuación rendida por Seymour Hoffman. Imita no sólo a la perfección los tonos e inflexiones de voz propias de Truman Capote sino sus menores gestos y movimientos, y, además, se adentra con pericia histriónica suma en el modo de ser y el talante de esta figura literaria. Es casi seguro, por tanto, que Philip Seymour Hoffman reciba la codiciada nominación en la categoría de mejor intérprete masculino protagónico para los “Oscars” que se entregarán el entrante mes de marzo.

Apoyan a Phillip Seymour Hoffman otros intérpretes cuyas actuaciones también vale la pena de resaltar. Son Chris Cooper que anima el personaje del alcalde de la prisión y Catherine Keener que se encarga de revivir por la pantalla a la novelista Harper Lee.

Por Luis Trelles

Si quieres saber más Sobre “Capote” y Phillip Seymour Hoffman,visita el website del film:

 http://www.sonyclassics.com/capote/

Es un poco más del mediodia del lunes cuando llegamos Javi el pericotillo y yo al Hotel Golf “Los Incas” de Monterrico, para la conferencia (luego de la función especial ofrecida por la distribuidora Warner para los medios de prensa) del film “La Mujer De Mi Hermano”, basado en la novela de Jaime Bayly del mismo nombre.Nos acompaña un esplendoroso sol veraniego,y el inevitable calor que aumenta por la cantidad de medios de prensa congregados en el pequeño salón de conferencias del hotel. La piscina ondula al ingreso en reflejos celestes que invitan a refrescarse,pero lamentablemente no estamos alli por placer, sinó por chamba.

La Conferencia de Prensa

No tenemos que esperar mucho para que hagan su aparición Barbara Mori y Christian Meier,quien junto a Beto Cuevas,cantante del grupo de rock “La Ley” de Chile,protagonizan el film; además el director -el peruano Ricardo de Montreuil-y el escritor Jaime Bayly, quién también ha escrito el guión. La conferencia se desarrolló sin tropiezos, a pesar de algunas inconveniencias en cuanto a la incomodidad del pequeño salón y la mala ubicación de los camarografos de las televisoras que impedía que los reporteros, sentados detrás, pudieran ver a los participantes.

A cada uno le tocó su momento. A Bárbara Mori le preguntaron si se sentía una diva cómo la catalogaban en su país, a lo que contestó que “ella se sentía una actriz, no una diva”. En cuanto a si era su primer desnudo en este film ella contestó que si, y a la pregunta de si no le incomodaba hacer escenas fuertes ya que tiene un hijo de 10 años dijo que su hijo “sabía que ella actuaba,y que ese era su trabajo”. Beto Cuevas habló sobre sus nuevos proyectos en cine, y que le había gustado trabajar en el film aunque fuese en un pequeño papel, y también de una posible disolusión de su grupo,a raiz de la salida de uno de los integrantes; pregunta que no le agradó mucho y dijo que el grupo había sobrevivido a la muerte del guitarrista y compositor original hace años y que la salida de un integrante más no iba a cambiar nada.

A su vez Christian Meier, de quién se dijo que en una entrevista previa en televisión habia dicho que “ni borracho se acostaría con un hombre”,f ué interrogado acerca de su participación en dos films basados en novelas de Bayly, y en los que curiosamente ha interpretado papeles de bisexual; a lo que dijo que “El papel de Ignacio en esta producción, es más complejo y mejor trabajado que el de Gonzalo en “No se lo Digas a Nadie”; Ignacio es un hombre que acarrea una gran culpa y dolor por el secreto que guarda, en cambio Gonzalo era un caradura al que le daba igual llevar una doble vida. Pero no habriá podido interpretar a Ignacio antes, he tenido que ganar experiencia para hacer un papel tan complejo emocionalmente.”

En su turno Jaime Bayly salvó las preguntas con su carácterístico desenfado y sentido del humor. A una impertinente pregunta de un reportero que dijo que de acostarse con alguien del reparto con quien le gustaría hacerlo con Beto Cuevas o con Christian Meier, contestó sarcásticamente entre risas que el no rehuia a las preguntas y menos “a una taan inteligente”, pero pensaría además de ellos dos en incluir también a Barbara Mori para hacer las cosas más interesantes. Y también afirmó que no había elegido a Meier para el papel por ser tan guapo, sinó por ser un buen actor. A la pregunta de si había traido al escritor argentino Luis Corbacho, su actual compañero, contestó que Luchito no había podido venir, pero le enviaba saludos a la periodista que había preguntado. Interrogado sobre si tenía proyectado llevar a otra de sus novelas al cine dijo que se sentía bien al escuchar cómo las personas se reían con algunas escenas de la película,y había pensado en hacer alguna comedia, pero que sea lo que fuera le gustaría contar en el reparto con Christian Meier,que se había convertido en su “actor fetiche”. También dijo que el hecho que esta película tenga un ambiente tan mexicano (incluso Meier tuvo que agarrar el dejo y hablar la jerga) era por la internacionalización del film, ya que México es un mercado más importante para proyectarse a Latinoamérica, y que no era raro que un actor tenga que interpretar alguien de otra nacionalidad, cómo por ejemplo Gael Garcia al trabajar como argentino en “Diarios de motocicleta” o cómo español en “Todo sobre mi madre”.

Al finalizar la conferencia de prensa los reporteros abordaron a los participantes fuera, y ahí alcanzamos a Bayly, quien resultó bastante buena onda en contestar todas las preguntas que le hacian los medios e incluso posar para fotos y firmar autógrafos. Las preguntas trataron sobre diversos temas, incluída la política, “Me daría mucha lástima que resultase presidente Ollanta Humala, porque sería un dictadorzuelo,y restrocéderiamos muchos años con sus ideas fascistoides y nacionalistas. Además no podría regresar al Perú, ya que estaría en su lista de fusilables, ya que es conocida su tendencia homofóbica” dijo entre broma y broma.

“Debemos construir un país más tolerante a la diversidad, empezar a ser menos intolerantes,a no discriminar a las personas, por ser cholos o por ser homosexuales. En el Perú tenemos gente muy hipócrita en los medios,en la política,en la iglesia. Lo que si me alegra es que los jóvenes sean más receptivos cada vez a la diversidad, ellos siempre me han tratado bien,los problemas que tengo son siempre con la gente mayor que es más reacia a los cambios”

Al final nos atrevimos a preguntarle a Jaime acerca de lo que opinaba sobre la necesidad de tener íconos positivos GLBTs en el país,cómo sucede en otras partes del mundo, para crear una mejor imágen del colectivo, y que él resultaría un buen ejemplo, a lo que nos repondió con su clásica frescura “Bueno,personalmente no creo poder ser buen ejemplo de nada; sin embargo si pienso que es necesario que más personas que son “imágenes públicas” salgan del clóset, pero aquí en el Perú y también en el resto de sudamérica no sucede porque muchos piensan que no les conviene a sus carreras aceptar publicamente sus preferencias sexuales”.

Aprovechando la pregunta y gracias a la audacia de nuestro reportero pericotillo le pudimos acercar un lapicero con el logo de la página,que el recibió con su clásico sentido del humor “Gracias… que? es…un consolador?” y se lo guardó en el bolsillo del saco.Mientras los reporteros de otros medios hacían sus preguntas, nosotros buscábamos donde podíamos hacer que nos firme un autógrafo,y se nos ocurrió que lo hiciera en un anuncio sobre los matrimonios GLBT en una revista “The Advocate” que circunstancialmente llevábamos. Se la acercamos y el accedió amablemente, “Ésta es una revista gay…” dijo mientras firmaba, observando la imágen en que se se ven tres parejas de muñequitos, de diferentes opciones. “Sí”, le dije, “Hace un rato le obsequiamos un lapicero, pertenecemos a Deambiente.com, un website para la comunidad GLBT del país…” a lo que sorprendido respondió “Vaya,que interesante…”, “Para nosotros sería un honor que visitara la pagina en alguna ocasión…”. “Pierdan cuidado..claro que lo haré”, nos dijo mientras se alejaba. “Misión cumplida” dijimos pero, aunque pensábamos que nos lo había dicho por salir del paso delante de la prensa,nos lo cruzamos a la salida en los ascensores y, antes de subir, nos reconoció y nos dijo “voy a estar viendo su página”, y los sorprendidos y halagados fuimos nosotros al ver que si nos había prestado atención.

La Pelicula

“En esta pelicula todos mienten” decía Jaime Bayly en la conferencia de prensa. “Mentiras” cómo dice la canción de “La Ley” que cierra el film. También trata sobre las apariencias, de cómo algunas personas pueden vivir unas vidas miserables sólo por mantener una imágen. Dirigido por el peruano Ricardo de Montreuil, es un film correctamente actuado; con un buen elenco: Christian Meier como Ignacio,el esposo demasiado bueno y hasta cierto punto reprimido, y que esconde un secreto; Barbara Mori como Zoe, la esposa que se consume en el aburrimiento y la monotonía, atraída por la vitalidad de Gonzalo (Manolo Cardona), el hermano menor de su esposo, un artista plástico, seductor e irresponsable; muy bonita fotografía y una historia que dá un vuelco que sorprende, con un final diferente al de la novela. Muy buena adaptación de la historia, que incluye también un personaje gay, Boris, interpretado por Bruno Bichir; el mejor amigo de Zoe, y que no aparecía en la novela. En este film el propio Bayly trabajó en la adaptación, y por lo visto ha quedado muy satisfecho con el resultado. Una historia que refleja una realidad que muchos de nosotros muy bien conocemos.

Si quieres saber más del film,vista su website:

http://www.lamujerdemihermano.com/

Informe: Juantxo